'El cuadro robado', de Pascal Bonitzer

* La autora forma parte de la comunidad de lectores de La Vanguardia Filmin nos permite disfrutar de El cuadro robado (Le Tableau volé, 2024), de Pascal Bonitzer, producción francesa de ficción que parte de un hecho real: la reaparición de una obra perdida del pintor expresionista austríaco Egon Schiele, Girasoles marchitos (1914) y su consecuente subasta por un precio récord. El incidente histórico-artístico originario reúne circunstancias de un atractivo narrativo innegable: la anexión de Austria por Hitler, la expansión de su afán confiscatorio de obras de arte –entre ellas las del coleccionista judío Karl Grünwald en 1938– y el desarrollo del concepto mismo de Entartete Kunst, “arte degenerado”, en el que la radical visión artística de Schiele encaja de pleno. Más tarde vendrán la persistente búsqueda de la obra por los descendientes del legítimo propietario y, finalmente, el modesto contexto social en el que la pintura reaparece, desconcertante frente al opulento ecosistema en el que han aprendido a danzar con gracia los expertos que la identifican. Todo ello, sin entrar en la peculiar moralidad de Schiele ni en la acogida vienesa de la pintura de Vincent van Gogh, precursor de los Girasoles marchitos de la película. Y pese a tanto pasado a cuestas, el relato fílmico se centra en el presente sin resultar inconsistente. Al contrario, debe reconocerse como grata, casi edificante, la ligereza de la conexión que los dramas presentes establecen con el pasado del que son consecuencia. Los personajes, como el cuadro, tienen un pasado complicado, sí, pero no se dejan ahogar por su peso. Al contrario, acabarán emergiendo exitosos. El mercado del arte es un fenómeno fascinante cuando exhibe sus excesos, y en este caso, a las consabidas zancadillas entre compradores rivales se suman las diferencias entre las clases sociales de sus partícipes, para hacer aún más paradójico e inasible el sentido mismo del arte. Sin entrar apenas en la obra de arte en sí, el film se centra en el registro de las emociones de quienes interactúan a partir de ella y enlaza con cauta levedad los hilos de sus tramas, de modo que los espectadores seamos activos atando cabos. Es un film sobre arte que seduce tanto como elude cualquier lección de historia del arte. Su sabor se prolonga en la inmediata curiosidad de constatar si esos que vimos son iguales a los Girasoles efectivamente pintados por Schiele y, con ello, en la satisfacción de confirmarlos. Egon Schiele: Girasoles marchitos (Sol de otoño II), 1914, óleo sobre lienzo, 100 x 120,5 cm. Subastados por Christie’s Londres el 20 de junio de 2006 (subasta 7345 lote 7). Precio de salida estimado entre 4 y 6 millones de libras, finalmente se alcanzó la suma de 11,768,000 GBP. Christie’s El sabor del film se prolonga igualmente en la constatación adicional de que, pese a su mortecino colorido, se trata de la versión más lograda y significativa de los girasoles del sensible pintor, aunque otros –óleos de menor tamaño o acuarelas– puedan resultar en apariencia más hermosas. Egon Schiele: Girasoles I, 1908, óleo sobre cartón, 44 x 33 cm, Niederösterreichisches Landmuseum, Austria. En este primer boceto del tema, la gran flor colgante ya está rodeada de pétalos marchitos y a pesar de las pequeñas flores recién abiertas, la descomposición de la planta está anunciada por las hojas ya descoloridas y flácidas. Niederösterreichisches Landmuseum Egon Schiele: Girasoles II, 1909-1910, óleo sobre lienzo, 149’5 x 30 cm. Wien Museum, Austria. En un estilo comparable al de sus pinturas de figuras de esta época, la alta y delicada flor aparece aislada, expuesta, vulnerable. La manera en que caen sus hojas recuerda gestos humanos. El formato estrecho y vertical deriva de la estampa japonesa. Wien Museum Por eso este texto aborda ese camino de constataciones, algunas pocas apenas, de las muchas que la película no cuenta pero que la enriquecen por el mero hecho de subyacer, muy en el fondo, de su trama. Los girasoles como tema en la obra de Egon Schiele, –y antes, en la de su admirado maestro Gustav Klimt–, fueron consecuencia de las exhibiciones en la Viena de inicios del siglo XX de la obra de Vincent van Gogh, quien como es sabido, los retrató con obsesiva abundancia. En la primera de las series, realizada en París en 1887, dispone unas pocas flores cortadas sobre una superficie. Es la segunda serie, realizada en Arlés a lo largo de los dos años siguientes la más conocida, en la que compone vibrantes ramos de diverso número de flores en un jarrón. Vincent van Gogh: Dos girasoles cortados, 1887, óleo sobre lienzo, 43'2 x 61 cm, Metropolitan Museum, N.Y. Se conocen al menos cuatro ejemplares diferentes de esta serie. Metropolitan Museum, N.Y. Vincent van Gogh: Jarrón con doce girasoles, 1888, óleo sobre lienzo, 91 x 72 cm, Neue Pinakothek, Munich, Alemania. Cuatro ejemplares diferentes conforman esta serie, de dos de ellos existen a su vez varias versiones. Neue Pinakothek Ciertamente el hermoso motivo decorativo refleja la predilección del pintor por ese color, concretamente el brillante amarillo de cromo que se empezaba a producir y comercializar en ese momento y que, lamentablemente, decae a marrón con el tiempo. Pero además de esa expresividad emotiva propia del colorido y que la pincelada del pintor holandés refuerza, la cualidad heliotrópica de la flor era, desde el siglo XVII, metáfora del alma que persigue la contemplación de Dios. Vincent parece identificarla con su propio ser, pletórico, y con la estrecha amistad que le une a Paul Gauguin. Gustav Klimt descubrió a Van Gogh en la muestra colectiva organizada por la Secesión vienesa en 1903: tanto en esta, como en la exhibición de 1906 en la Galería Miethke pudieron los modernistas contemplar sus jarrones con girasoles. Precisamente de este último año data la primera obra en la que Klimt incorpora las grandes flores amarillas como elemento compositivo y ornamental para, en segunda instancia, otorgarles un protagonismo que rebosa su naturaleza vegetal y evoca similar actitud vital a la de sus lánguidas figuras femeninas Gustav Klimt: Jardín con girasoles, 1906, óleo sobre lienzo, 110 x 110 cm, Galería Belvedere, Viena, Aust Galería Belvedere Gustav Klimt: El Girasol, 1907-1908, óleo sobre lienzo, 110 x 110 cm, Galería Belvedere, Viena, Austria. Galería Belvedere Un par de años después de esos girasoles de Klimt será cuando Schiele inicie sus numerosas variantes sobre el tema. En grupos o individuales, estos nuevos girasoles son, como los de Klimt y a diferencia de los de van Gogh, plantas vivas, no cortadas. Sin embargo, a diferencia de las de Klimt, son aisladas de todo entorno para intensificar en ellas una suerte de identidad propia, rozando casi un proceso de humanización, de retrato psicológico de la flor. Así, con Schiele la idea del girasol como representación o símbolo del alma alcanza una nueva expresión. Egon Schiele: Girasoles, 1911, óleo sobre lienzo, 90,4 x 80’5 cm. Galeria Belvedere, Viena, Austria. La composición rompe con la herencia decorativa de Klimt y en su lugar las contorsiones, distorsiones y deformaciones determinan la forma expresiva: las hojas marchitas cuelgan, las imponentes cabezas florales miran sin fuerza a sus retoños y ni las pequeñas flores frescas detienen la decadencia. Los girasoles se convierten en el reflejo de la angustia espiritual y en símbolo de lo efímero. Galeria Belvedere Egon Schiele: Girasoles, 1911, lápiz y acuarela sobre papel, 44’5 x 30’5 cm, Albertina Museum, Viena, Austria.Composición más espacial y con mayor modulación de las áreas de color de cada hoja mediante la clásica técnica deacuarela húmedo sobre húmedo. Albertina Museum Y es que en general en sus representaciones de la naturaleza, Schiele se aleja de la representación mimética y llega a través del decorativismo klimtiano a someter a las plantas a un tratamiento cuasi antropomórfico. Prefiere pintar la naturaleza de memoria, evocando su movimiento de manera similar al de los cuerpos humanos, con similar agitación de placer y dolor. Del mismo modo se vale del color para transmitir una cualidad sentimental. Con los Girasoles marchitos pintados en 1914, Schiele lleva este ejercicio pictórico a la máxima expresión del simbolismo. No solo es a causa del mayor formato que presenta a las flores en su escala natural sino también por el mayor trabajo de sus detalles realizados al óleo. Un frio sol del otoño apenas ilumina a ese distante paisaje que sitúa a la planta protagonista en primerísimo plano, casi invadiendo el espacio del observador (véase, de nuevo, la fotografía 2). La belleza ha abandonado a las marchitas flores, ha estallado la guerra. Volviendo al film y a la trayectoria vital de la obra, no puede ser más pertinente desde el punto de vista narrativo que haya sido este ejemplar –el más elegíaco retrato de esas flores que simbolizan el alma–, el expoliado por los nazis y extraviado durante la segunda guerra mundial. Incluso su anónima y silenciosa presencia en una vivienda de clase obrera donde permanece largamente hasta su redescubrimiento sostiene su melancolía más allá de la guerra, en la miseria de unas vidas demasiado limitadas y agobiadas para el disfrute del arte. Almas en lucha para no acabar de marchitar, espejo de los propios girasoles. Como buena ‘dramedia’, el final es feliz sin caer en ingenuidades. En tiempo descreídos en la capacidad redentora del arte, solo el beneficio monetario derivado de la subasta puede actuar como sol propicio para el florecimiento de las almas. * María Antonia Argelich Gutiérrez es directora del Centre d'Art d'Època Moderna CAEM ■ ¿CÓMO PUEDO PARTICIPAR EN LA COMUNIDAD DE LA VANGUARDIA? ¡Participa! ¿Quieres compartir tus conocimientos?Si tienen interés en participar en Lectores Expertos pueden escribir un email a la dirección de correo de nuestra sección de Participación (participacion@lavanguardia.es) adjuntando sus datos biográficos y el texto que proponen para su publicación.